什麼是抽象藝術？聽薛保瑕談她的抽象繪畫創作之路
五年前上「攝影的構圖與設計」（Composition and Design）課時第一次嘗試抽象攝影就深深為她所吸引，此後幾年間，雖然懵懵懂懂的，總是找機會試拍非具象的影像，學校在2014年首次開「抽象攝影」課時也成了第一批學生，那門課的期末作業“Congrete Jungle"更幸運地得到2015年PX3攝影比賽專業組抽象類別的銅牌獎，說起來我雖然一直很認真在所謂抽象領域中打轉，卻缺乏...
五年前上「攝影的構圖與設計」（Composition and Design）課時第一次嘗試抽象攝影就深深為她所吸引，此後幾年間，雖然懵懵懂懂的，總是找機會試拍非具象的影像，學校在2014年首次開「抽象攝影」課時也成了第一批學生，那門課的期末作業“Congrete Jungle"更幸運地得到2015年PX3攝影比賽專業組抽象類別的銅牌獎，說起來我雖然一直很認真在所謂抽象領域中打轉，卻缺乏一個對抽象藝術概括性的瞭解，為此感到蠻遺憾的，雖然腦海曾閃過閱讀藝術理論入門書來改善此窘境，最終仍因為生性懶散從未付諸行動，就這麼蹉跎了好多年的光陰，我想，懶人如我應該比較合適聽聽演講、做做筆記，再看看有否絲毫慧根吸收個幾成吧！
話雖如此，上個月還是忍不住裝文青的到國立台灣美術館（國美館）參觀薛保瑕的抽象繪畫展「直接面對：薛保瑕個展」，這個展可說是薛保瑕的大型回顧展，蒐集了她自1980年代到2016年的抽象繪畫創作，作品多達三、四十件，光看作品本身的畫幅已是一大震撼，還有她揮灑色彩及琢磨形式的方法，雖然不能很清楚地說出如何轉變，卻能感受到她近三十年的創作歷程裏從壓抑到解放，也容我很直覺的說從鬱鬱憂愁到柳暗花明的痕跡... 哎，不意外，我仍然無法跳脫眼睛所看到的形象，甚至還以自己加諸在藝術家身上的遐想來觀看、解讀其抽象畫作，當我正為自己的不知長進感到苦惱時，得知薛女士將親自導覽其作品，又是一個二話不說，參加去也！
導覽一開始，薛保瑕即開門見山的談起抽象藝術的定義：抽象藝術始於創作者內在的需要(inner necessarity)，不受現實形貌影響，抽離掉形體後，簡化成不具指涉性、不具相關性、無法模仿，也無法重複再現的一種藝術表現形式，可說是一門減法的藝術，其中又可細分為以生物形體構成，代表感性表現的抽象派，即「熱抽象」，以及以幾何構成的理性抽象派，即「冷抽象」。
順帶一提，回家後經我詢問谷歌大神，得知抽象藝術風格的呈現可分為兩種 ：「一是將自然的外貌約簡為簡單的形象，第二種是將不以自然形貌為基礎的藝術構成。」，而第二種「不以自然形貌為基礎的藝術構成，即非具象〈或非物象〉的構成，又可細分成兩大主流：一．以康丁斯基為代表感性表現的抽象派，即「熱抽象」，如康丁斯基的《構成第四號〈戰爭〉》。二．以蒙德里安幾何構成的理性抽象派，即「冷抽象」，如蒙德里安的《黃與藍的構成》（1929）。認為藝術作品由形態與色彩兩個單純因素所構成，透過有效的組織與綜合而形成「自律性」表現，不必藉助任何文學性、象徵性、意義性，即可重現任何屬於現實世界的對象。」觀看薛保瑕的創作及聽她談抽象藝術，很明確的判斷她是不以自然形貌為基礎的後者。
至於為何會選擇抽象繪畫作為主要創作方式呢？她說起1984年到紐約念藝術研究所時，曾有一次素描課遲到，只能站在模特兒的背面作畫，當老師要求她畫出模特兒的臉龐時，雖然她人在現場，卻因為不見其正面而畫不出來，讓她領悟到形體所具有一體兩面的特性，當下她雖然看不到，卻不等於不存在，這個經驗反而促使她踏上抽象繪畫創作之路。
在創作過程中，抽象藝術的探索與實驗可說是薛保瑕的關鍵思考，其中包含：抽象藝術真的是無法重複出現嗎？空間與空間如何對照？如何在創作中加入時間的元素？策展人蕭瓊瑞抽絲剝繭後以「回溯」的方式分三個主題架構出這個回顧展：一、思維／測量（2013-2016）；二、流動／符碼（2004-2013）；三、限象／現象（1984-1997）。展場裡的作品也是以倒述的方式呈現給觀者的，也就是最新創作最靠近入口，愈往裏面，愈是以往的舊作，讓我們能先見到現今的薛保瑕，再一步步將時間往回推，慢慢感受藝術家是如何發展她的藝術之路的。
一、思維／測量（2013-2016）
乍看薛保瑕的畫作，完全不知從何解讀起，聽她訴說自己的作品，雖然她已盡量用簡單的語彙說明，仍需要時間來理解、消化她的思想脈絡。說起創作過程，她的畫作都是不受任何限制，從全然的未知開始的，憑著對物質本身重要的感知出發，最終欲表現出來她所想要討論的主題。談起「經緯測量」這幅畫，遠看彷彿是幅地圖(google map)，但這是她試圖以另一個角度討論空間，也代表內在的思維導圖，說明思維具連結性、不斷延展的狀態。
薛保瑕也持續不斷的挑戰自己的體能，她說大幅畫作不僅挑戰藝術家的創作力，更挑戰其體力。她2016年最新完成的「勢態」可說是一項自我挑戰的成果，要完成這以三塊畫布拼接而成的巨幅畫作（300cm X 540cm）確實需要有相當的活力與體力的，當然，還得外加上近百罐的顏料😊。她說：「只有忘乎極限時，才能超越經驗，畫出預期之外，這樣的挑戰才是最高的！」
一同聽講的陌生朋友問起如何知道畫完了呢？她笑說如果在重畫、修正後，畫布上每個角落都OK了，想要表達的理念完成了，就算是完成了，但她也非常認真地補充，在重複、累積、刪除、保留的過程中，如果仍不滿意，即使繪畫已經快要完成，她仍會整幅放棄，一切從頭開始！啊... 真是個不折不扣的完美主義者。
二、流動／符碼（2004-2013）
觀看薛保瑕的作品，可以清晰的感覺到近幾年她的作品在色彩、佈局上很不一樣，聽她現身說法，才知道在2009年她曾因為腦瘤而走過死亡蔭谷，開刀前她許下願望：病癒後每年都要辦個展，也更堅持「創作者是我最重要的身分」，經歷生死大關後，2010年她開始徒手畫圓，創作「九個圓點」系列，她告訴我們，圓代表了自我規範的一種形式，也是個沒有國家、文化、政治、宗教等立場之分的圖形，同時，每幅畫裡都有九個圓，其中九代表了數字循環的最高峰，再來就回歸到零了，再者，繪畫中畫圓，既是加法（畫中加圓），同時，因為會覆蓋之前已畫上的型態，也是減法，2013年的「非零點」更用了三種顏色畫圓，形成多個三度空間，加上後面流動性的筆觸，完全展現出她兼容感性與理性的特質。
時間再往前推，薛保瑕走到自己2004年的作品「脈絡符碼」前告訴我們，她試圖將顏色的色光表現出來，因為顏色是透過光呈現出來的，加上透明，形成一個穿透式的空間，這時的她，除了時間與空間外，也想表達出速度，「定碼」中除了造型外，還有不同的圓，以其不同的圓形表達一種動中帶有寧靜的速度，另外，她開始在一般的畫布之外加上具有幾何排列效果的立體木塊，打破繪畫與雕塑，乃至裝置的邊界。
同時，她自2004年開始拼接創作，第一幅畫從未知開始，將所關注的事件畫出後，當畫完第一幅時形同完成一個文本(text)，必須自己閱讀、解讀完成後，再以左、中、右的順序繼續創作第二幅、第三幅，直到整件創作完成為止。
三、限象／現象（1984-1997）
來到展覽室的後半端，我們看到薛保瑕最早期的抽象畫作，這時期她剛到美國紐約學習繪畫藝術，不僅面對東、西方的衝擊，也在思索學校教授丟給她的問題：「抽象藝術發展已逾百年，抽象藝術創作還可以怎樣走下去？」使其對西方抽象藝術重新思維，再以辯證的方式對已有的認知再次反省，也將其思索過程融入她的藝術創作之中。這時期薛保瑕也會將現成物如魚網、魚餌等入畫，例如魚網象徵的是生死瞬間的界面，其他也有具有敘述性的、隱喻性的和神秘性的訴求；她也使用噴槍將色彩溫和的加入繪畫中，象徵生命體的呼吸乃是生命的本質。
她也不諱言的談起頂著師範大學美術系優異的成績，初到紐約學習藝術時，所面臨的語言、文化、課業上的衝擊，並形容這是她最ㄍㄧㄥ的一段時期，經她一說，我才明瞭，原來我感覺她最嚴肅、最憂鬱的那些創作，背後還真有原因的呢。在寫這篇心得時，我又重回展場觀看國美館為這次回顧展專門製作的紀錄片，發覺裡面講的真好，特此擷取：在這段期間，薛保瑕歷經衝擊、解放、重構，作品中表現出的憂患意識，確切的說，是其所面對的世界裡最底層的一種悲傷。
因為想聽聽藝術家如何解讀自己的創作而參加這個導覽，將近兩個小時近距離的凝聽，實在獲益良多，不僅因此認識了一位理性與感性兼備，如學者般認真研究探索的藝術家，更高興能有機會一次聽飽、看飽她三十年來藝術思考與繪畫創作的脈絡，她告訴我們，展場裡有些作品，她自己也好多年沒見到了呢！她也提醒我們，如果想要追蹤藝術家，應該要將時間拉長，因為藝術家可能會花好幾年的時間追尋一個主題，只有長時間持續關注，才能既看到每個時期藝術家創作的主題，也能從其轉換的過程裏，觀察出他／她的藝術發展全貌。
此行另一個心願，當然是懷抱著希望，或許能藉著這次聽講多瞭解一些抽象藝術的本質，畢竟這不是正式的演講，薛保瑕是以簡單的方式，片段式點到抽象藝術的本質，配合她的作品，讓我們得以略窺一斑。駑鈍如我，依然似懂非懂，參不透抽象藝術，不過沒關係，我勉勵自己，至少要學習到她認真向前、自我挑戰的精神！
哎！到底什麼是抽象藝術呢？ 繼續追尋去也...
值得慢慢欣賞的「王信攝影展──另一種目線」
上週五台北一日遊，最主要的行程之一就是去觀看台北市立美術館的『另一種目線──王信攝影展』。很可惜我將近四點才到，距閉館只剩下一個半小時的時間，剛好足夠走馬看花看完一圈，建議朋友們至少要留兩個小時的時間，慢慢觀展。另外，我也先將此次看展自己小小的心得寫在前面，展覽中有北美館為了這次展覽特別拍攝的紀錄片，片長約10-15分鐘，一定要花時間看完...
上週五台北一日遊，最主要的行程之一就是去觀看台北市立美術館的『另一種目線──王信攝影展』。很可惜我將近四點才到，距閉館只剩下一個半小時的時間，剛好足夠走馬看花看完一圈，建議朋友們至少要留兩個小時的時間，慢慢觀展。另外，我也先將此次看展自己小小的心得寫在前面，展覽中有北美館為了這次展覽特別拍攝的紀錄片，片長約10-15分鐘，一定要花時間看完，裡面有許多寶貴的內容，看看攝影師王信如何談她自己對報導攝影的期許，也可聽出一些端倪，為何她在1980年後不再紀錄原住民的文化、生活，當然還有她與數十年前被攝者間互動的紀錄片，我雖然看過一遍，其中有些內容很可惜沒有當場記錄下來，回家後想要重看一遍，致電北美館詢問後才知道因為著作版權的原因，該紀錄片並沒有在別的管道或平台播放，著實有些扼腕，只能擇期再重回展場觀看了...所以各位朋友們，看展時可別錯過了哦！
據瞭解，王信目前僅舉辦過六次個展，『另一種目線—王信攝影展』是她第一次在美術館舉辦的個展，也是她耗時ㄧ、兩年準備的大型回顧展，集結了她攝影生涯中具代表性的14個主題與系列、600件作品，並透過作品計畫與創作時間雙軸，「呈現長年來點滴記錄了一些台灣社會與人文環境的變遷」。值得一提的是，在展覽廳入口擺有攝影展的導覽書冊，一定要記得拿一本，裡面詳列出展覽的十四個主題，不過，北美館也很貼心的提供王信攝影展導覽書PDF檔案，讓有興趣的朋友可以在觀展前先一睹為快哦！
王信生於1942年，原本學的是畜牧學科，年近三十時轉學攝影，並因為敬仰報導攝影權威尤金·史密斯（William Eugene Smith，1918－1978）的個性及精神，開始了她的報導攝影之路，主要的報導攝影創作時期在1970年代及1980年代。王信認為「報導攝影的基本精神是本著人道主義的胸懷，透過攝影去揭發問題。在一個民主開放的社會裡，報導攝影可提供一種刺激和反省，形成輿論，推動、改革社會，因而受尊重。對報導攝影者而言，開攝影展是下下策，它應該與印刷媒體結合，才能廣泛地報導而實踐它的良知與力量。報導攝影能使人們回顧那些被我們稱為原始的、落後的，未開發的土地與上面自然純樸的人性，而有所反省。」
王信的「蘭嶼‧再見」是我感受特別深刻的系列影像，粗粒子中帶著低沉的氛圍，呈現她在1974 - 1975年間兩次到蘭嶼拍攝所集結的系列作品，最令我感動的是她在2012年重回蘭嶼，並與當年入鏡的雅美族人相認，還有他們彼此的對話與互動也在展場中以紀錄影片的方式呈現出來，我明顯感受出王信有一種令人敬佩的人道關懷與堅定的心懷。
關於「蘭嶼‧再見」，攝影師張照堂在1984年1月23日自立晚報的〈瞬間定影〉文章中這麼提到：
『王信的「蘭嶼‧再見」兩年前在日本展覽過，部份作品曾先後斷續地在國內刊物發表；可是當你在展覽會場中面對這一整組「真正的」原作時，才覺察心中無止的感動與感傷。感動於王信長時間的投入，孜孜不倦地記錄雅美山胞的生存面貎，這些民國六十三、六十四年的影像，十年之後重讀之下，愈發覺得親切與感傷。王信用一種粗粒、低調的感覺，表達了那種單純、獷樸、原始之美，質感統一、意念一貫，兼顧了報導與創作之實，非心胸沉著、眼光遠闊的攝影工作者所能擔當的；在天、地、大自然的孕育下，王信告訴我們雅美人的毅力或無奈、苦楚或希望。我倒覺得，這些照片也應該在蘭嶼展覽一次，讓他們看到自己的面貎，也許興奮、也許驕傲、也許感傷、也許沉默；但有時候，影像應該回到它的原生地罷，就算是一種回饋或禮讚。 王信在去年中還有一項彩色攝影展，是她在印度、尼泊爾的旅遊記錄，她稱那是剎那間印象的個人主觀感受，與「蘭嶼‧再見」的長時間觀察的心態有所不同。不管如何，嚴謹的態度、著眼的取向、人文精神與藝術美學要求的一致，王信總是不失一專業攝影家的本色，值得欽佩與學習。』（資料來源：Wikipedia)
除了系列報導攝影，王信也有展出不同類型的作品，她並說：「另一類是即興式的單張照片，是我閒暇旅遊中，隨興隨手按來的，是屬於感性唯美的。對景我特愛雲和海，對物我想抽離它的抽象意念。從事攝影工作14年，雖然大部分的時間和精力都耗在「報導攝影」上，但是我最近發覺第二類作品也累積不少。整理過去的作品，可以看出自己的走向。」
最後，我以王信這次展覽的展出感言結尾，除了能更加了解攝影師之外，也提醒自己要學習以更寬廣的心懷來拍照！
「攝影的本質在記錄」
「展覽也希望讓大家瞭解學攝影不是只要學習如何操作相機而已，還要學習如何觀看與了解事物，另外也能藉此理解什麼是系列報導攝影。」
「我一向不願把攝影只當做個人表現的東西，對我而言，攝影的功用和價值是在它的記錄和報導性上，它是不是個人的藝術並不重要。」
看不懂的才是藝術？
國立臺灣美術館兩年一度的「2016台灣美術雙年展」開展一個多月了，上星期二終於湊個熱鬧、看展去了。其實看展之前，心裏已有些不祥的預感，因為「一座島嶼的可能性」這個主題所代表的意涵是什麼呢？我已經開始困惑了，果不其然，花了近兩小時觀展，有看沒有懂，覺得沮喪之餘，看到國美館所舉辦的藝術講座－「一座島嶼的可能性－側翼觀察」，二話不說，立馬報名參加，而這篇文章，就是聽講時筆記下來的重點。
國立臺灣美術館兩年一度的「2016台灣美術雙年展」開展一個多月了，上星期二終於湊了個熱鬧、看展去也。其實看展之前，心裏已有些不祥的預感，因為「一座島嶼的可能性」這個主題所代表的意涵是什麼呢？我已經有些困惑了，果不其然，花了近兩小時觀展，有看但沒有懂... 正覺沮喪之餘，發現了這個藝術講座「一座島嶼的可能性－側翼觀察」，二話不說，立馬報名參加，而這篇文章，就是當天聽講時筆記下來的重點。
主講人廖新田博士以平易近人的小故事開場兩個小時的演說：阿嬤跟阿公到國美館看雙年展，走了走，看又看，阿嬤說，這個展我都看沒有，阿公回說，啊！就是看不懂的才叫做藝術呀... 廖博士在觀眾的輕笑聲中接著自問，身為一個「行內人」，是否真能說自己一定都看得懂當代藝術呢？答案是「也不見得」。哇，聽到廖博士如是說，不僅佩服他如此簡單自然的拉近了與聽眾間的「藝術」距離，也頓時放下心中的巨石：「原來我看不懂是情有可原的呀...」。
演講筆記
廖教授進一步以下列「認知的取得與文化符碼的運作方式」簡單圖解我們如何「看得懂」！
具體而言，當我們在面對文化物或藝術品時，如果已經對眼前的主題有一定程度的瞭解（也就是前備知識），當下我們自然能夠解碼、欣賞，以及更進一步分析、內化這些作品。舉個例子來說，我們人人都具備欣賞風景畫或是靜物畫的能力，為什麼呢？因為我們在日常生活中不斷地有機會觀賞風景及桌上擺置的物品，所以當我們站在這些作品前面時，自然而然能用以前的經驗來解碼眼前的藝術品。
在進入雙年展的觀察之前，廖博士又給我們兩個觀念：
- 白色立方體 (the white cube)的規矩與限制。傳統博物館的展示形式不外乎是將美麗精彩的畫作等藝術品掛在館內的白牆（猶如白色立方體，此名因此而來）上，供人欣賞，法國著名文化人 André Malraux 在1970年代就曾出版《無牆的博物館》一書，企圖推倒這些牆面的限制，讓觀者能更自由的與作品互動。
- 純粹的凝視(pure gaze)。當觀者面對傳統藝術作品時，習慣站在她的正前方來凝視、欣賞，這雖然是學院裡面藝術欣賞的一種方式，但絕非唯一方式；談起當代藝術，因為多是開放性的主題與媒材，希望能成就屬於全民的藝術，藝術與非藝術的界域不僅越來越模糊，傳統藝術的欣賞模式也不見得適用。
有了上述的認知，廖博士接著以當代藝術的角度帶領我們重新欣賞國美館內的「2016台灣美術雙年展」：
- 前備知識：解放我們觀者需有完善的前備知識，有時前備知識反而是阻力而非助力
- 凝視：不用再站在特定的「對」的位置觀看
- 場域：關心社會、文化等議題，「美」不再是主題
- 促成因素有下：
1. 視覺震撼（希望能達到當頭棒喝的目的）
2. 生活環境的改變：此次30位參展藝術家中，超過ㄧ半是1980-1990年代，解嚴後才出生、成長的藝術家
3. 藝術的界定與目的與以往不一樣了，要跨入生活
4. 創作的素材從傳統的畫作等，轉變到在生活環境裡面能取得的材料（如環保素材）
5. 從繪製（painting) 到製作(making)
6. 科技作品的誕生（例如觀者對於創作者作品的疑問也成了創作者的素材）
7. 博物館、美術館展覽系統的改變
談起這次雙年展的主題「一座島嶼的可能性」，廖教授反倒建議我們用讀一首詩的方式來看這主題，並以自己對台灣的地理想像來填空。而這裏的「島嶼」，完全沒有政治的意味在內，純粹是一張地圖，也是我們對於文化歸屬很重要的的概念，意即我們用「島嶼」來呼應全球的潮流，並進行地方性的創作。
最後，因為時間有限，他僅挑出幾件作品詳述他所認知的創作理念：
- 現成物拼裝：是藝術發展很重要的系統，不僅可以展現現成物造型之美，對工業商品的反思，也表達對環保議題的重視
- 軟雕刻：藝術家邀約觀者進入藝術品，並與之產生互動
- 當代書法：焦點將著重在以手揮舞在牆上的韻律
- 鐵窗景觀：凌亂的美感，也是對日漸式微的文化表達情感
- 「訊息」：作為一種媒體，挑戰其藝術性與否的看待
以上所有圖片來源：國立台灣美術館官方網站
感想與收穫
當代藝術從創作到展覽，各層面的出發點皆跟傳統藝術有很大的不同，而我上次看展時仍以傳統的觀展方式，試圖解讀出各項作品的涵意，當然是徒勞無功的啊。當代藝術品可說是讓收悉的東西陌生化，而陌生的東西熟悉化，呈現出來的作品亦不再是傳統想像中的「美的饗宴」，藝術品可能是創作者提出問題的方式，也可能是他（她）希望觀者深思的主題，感覺起來，一切都是一個過程、一種經歷，當代藝術的主題與素材也會隨著世界的變化而隨之改變，因此，我得提醒自己不應該用「過去」所累積的一丁點美學眼光來欣賞這次的展品，反而應該以更開放的態度與心靈，從不同的角度試圖切入這些藝術品的內涵。如果仍然看不懂，走進說明看板讀讀作者的旁白應不失為一個好方法，如果仍然不得其門而入，那麼就摸摸鼻子，微笑經過吧，畢竟，傳統藝術我都不敢說我看得懂了，何況是當代藝術呢！
Take it easy!
懷念彩色暗房快樂時光 IV．成果篇
學期末的作業，也是暗房課的重頭戲，是完成六張至少8 x10吋的影像。我們必須以底片機拍攝自選的主題，並從中挑出適合的負片放相， 應用上課所學的各項技巧，包含曝光值的選擇、局部加亮/加深、色調的調整，確實準光、準色，並且至少一幅要去髒點並裱褙。大部分的同學選擇11 x 14吋的影像，而我竟然聽信老爺的讒言，不自量力挑戰16 x20吋的影像，差點開天窗......
學期末的作業，也是暗房課的重頭戲，是完成六張至少8 x10吋的影像。我們必須以底片機拍攝自選的主題，並從中挑出適合的負片放相， 應用上課所學的各項技巧，包含曝光值的選擇、局部加亮/加深、色調的調整，確實準光、準色，並且至少一幅要去髒點並裱褙。大部分的同學選擇11 x 14吋的影像，而我竟然聽信老爺的讒言，不自量力挑戰16 x20吋的影像，差點開天窗，還好在最後一堂課完成所有影像，安全過關，呼！
除了兩位同學因為種種因素無法全心投入暗房工作，中途放棄了，其餘五位同學都堅持到最後，並交出令人亮眼的作品。暗房裡除了得拿出耐心，按部就班、不疾不徐的工作，我也觀察到，同學們因為個性不同不僅會有各自的暗房習慣，性格也反映在最終作品上。進行各種測試(test strips)時，有些同學很快就能決定曝光及色調調整的數值，繼續下一步驟，有些同學得花上5-10分鐘才能決定下一步驟；有些同學非常注重細節，有些同學大而化之，以大方向為主；有些同學會使用多餘的放大機，用兩台機器同時進行放相，大部份同學都只堅守一人一機的模式，至於我嘛，剛開始練習時也希望能在有限的時間內輸出最大產值，但總是欲速則不達，加上挑剔的性格，終成為班上龜速第一名，每次總要提醒自己，暗房關門前二十分鐘送出最後一張相紙到顯影機後，就停止工作開始收拾細軟，免得耽誤大家下課時間。
時值深秋，我決定以〈秋瑟〉為題，記錄2013年溫哥華的秋色。色彩是我最搞不定的元素，本以為選擇這麼顯著的色彩，將這些景象串聯在一起的難度會低一點，沒想到天外薄霧、秋風落葉間存在著色彩的主觀空間，老師只能耐心跟我討論，必須得自己做出最終的決定，菜鳥如我進度緩慢，還好老師體諒我們認真學習的態度，多開放幾個時段讓我們進暗房，終於如期完成期末作業，為這學期的彩色暗房課畫上美好的句點。
十二週的暗房課程讓我獲益良多，我像發現新大陸般，不僅開啟了拍攝彩色負片這條學習之路，也開始身體力行「慢拍照」的哲學。回顧過去三年來，每一次課程結束都是另一段學習的開始，我不再為了特別的風景到處尋找更高、更遠的位置，反而放慢節奏來「慢拍」，練習在簡單生活中看見美，並慢慢累積出一些心得成果，即使我已離開學校兩年，仍然感恩老師的教導，也期許自己在攝影這條路上要悠然自得繼續向前行。
懷念彩色暗房快樂時光 III．實驗篇
偶有攝影師在暗房裡工作的情節躍上大銀幕，靠著微弱泛紅的燈光，攝影師神情專注的一步步以鑷子夾起浸泡在藥水裡的照片，依序顯影、停影、定影、水洗，最後將新出爐的相片夾好晾乾、檢視... 這些我們比較常見的場景，描述的是也稱之為「wet darkroom」的黑白暗房，而最近上演的「寒戰2」，亦有發哥在暗房裡鉑鈀印相(Platinum print)的橋段，但從沒見過將彩色暗房搬上大銀幕的，上課之後，豁然開朗...
偶有攝影師在暗房裡工作的情節躍上大銀幕，靠著微弱泛紅的燈光，攝影師神情專注的一步步以鑷子夾起浸泡在藥水裡的照片，依序顯影、停影、定影、水洗，最後將新出爐的相片夾好晾乾、檢視... 這些我們比較常見的場景，描述的是也稱之為「wet darkroom」的黑白暗房，而最近上演的「寒戰2」，亦有發哥在暗房裡鉑鈀印相(Platinum print)的橋段，但從沒見過將彩色暗房搬上大銀幕的，上課之後，豁然開朗，一來在彩色暗房裡放相，自始至終都得在伸手不見五指的全黑環境下操作，二來彩色相紙是透過顯影機顯相出來的，我們只需摸黑將曝好光的相紙送入機器，雙手既不會弄濕，也可優雅的在顯影機彼端等待結果。少了在幽微昏暗中手作的視覺張力，難怪得不到電影編劇的青睞！
雖說是初階課程，紮實的課程安排下，不僅揭開彩色暗房這神秘的面紗，更發現暗房裡能玩的玩意兒真是太多了，老師為了提高我們的經驗值，還投出以下的變化球：
- 拍攝黑白底片，運用彩色相紙印出黑白照片(中性/無色調)
- 正片負沖的交叉沖洗(cross processing)：拍攝正片，但以沖洗負片的藥水C-41沖片，是謂正沖負的交叉沖洗。不同底片負沖後有不同的色偏，我用Fuji Provia100的正片會產生綠色色偏。
- 彩色版的黑影照片(photogram)：不需要底片，運用若干好玩的物件、器皿直接在相紙上曝光，就能成像的顯影方式。彩色暗房製作出的photogram最有趣的地方是色彩，每次的成品彷彿都是一種驚喜呢！
如果認真探究，每一個變化球都足夠玩上好幾個月，可惜在有限的時間裡，我們都只能管中窺豹，時見一斑。因為我對photogram特別有興趣，本來還異想天開的計畫星期天到暗房「加班」，以不同顏色、材質、厚度的物品進行更多photogram的實驗，沒想到歡樂的時光總是過得特別快，轉眼間學期過了泰半，驚覺如不加快腳步準備期末作業，恐有開天窗之虞，只好先將有趣的實驗擺一旁，快馬加鞭趕期末作業囉！
懷念彩色暗房快樂時光 II．撞牆篇
在我拿到新入手的Fujifilm GF670W 120底片機後，自然從收悉的場景開始拍攝，幾個星期下來，挫折感蠻大的，當我睜大雙眼努力搜尋色彩，城市裡的顏色仿佛跟我捉起迷藏，當我不再用Photoshop後製，以往喜愛的景色，在彩色相紙的印樣(contact sheet, 相紙印出與底片同大小的影像)看起來卻如此平凡無趣，原來，不善於運用色彩的彩色照片，注定會被遺忘在箱底的，雖然沮喪，仍勉強安慰自己：「剛好藉著拍攝彩色負片，從頭磨練攝影的基本功吧。」
在我拿到新入手的Fujifilm GF670W 120底片機後，自然從收悉的場景開始拍攝，幾個星期下來，挫折感蠻大的，當我睜大雙眼努力搜尋色彩，城市裡的顏色仿佛跟我捉起迷藏，當我不再用Photoshop後製，以往喜愛的景色，在彩色相紙的印樣(contact sheet, 相紙印出與底片同大小的影像)看起來卻如此平凡無趣，原來，不善於運用色彩的彩色照片，注定會被遺忘在箱底的，雖然沮喪，仍勉強安慰自己：「剛好藉著拍攝彩色負片，從頭磨練攝影的基本功吧。」
顧名思義，彩色暗房課當然是學習彩色放相，同學間不時互相提醒C(青色)、M(洋紅)、Y(黃色)與RGB彼此的關係以及各種調整色彩的口訣，協助彼此順利完成作業，但對不善於拍攝彩色照片的我，最大的收獲莫過於逐步建立起彩色攝影的基本功，不僅重新認識色彩，也積極學習如何運用顏色來表達攝影的意念，誠如老師所說，拍攝彩色負片時除了拍照當下曝光、反差要正確掌握好，也得對最終影像想要呈現的色彩胸有定見，否則進到暗房裡調整曝光值與色偏時，肯定無所適從，敗興而歸。
每回下課，老爺總有興趣瞧瞧我花了三、四個小時的成果，偏偏大部份時候我只拿得出一幅照片來交差，他雖然會眼睛一亮：「唉，不錯耶，有類比的fu...」但他對於傳統暗房的「慢」始終是張口結舌，無法理解箇中樂趣的，殊不知是我自己常常遇到瓶頸，才總是以龜速前進，不過看到自己終於完成第一張以120中片幅底片拍攝的相片(11 x 14吋)，又對未來充滿了無比的期待。
因為有了同學們的歡笑聲、老師的正面鼓勵，以及固定在週日進暗房練功，好友們彼此加油打氣、一起趕作業的革命情感，彩色暗房的快樂時光是我2013年攝影課程最深刻的記憶。
國美館「日本浮世繪精選展」 II
六月中來國美館浮世繪的精選展，只有機會觀賞了葛飾北齋的《富嶽三十六景》，今天我又來到202展覽室繼續我的浮世繪之旅，這回我陶醉在歌川廣重的《東海道五十三驛站》之中，流連忘返!
十七世紀江戶時期政局穩定、交通便利，因已具有一定的經濟實力，旅遊風氣興盛並蓬勃發展，風景畫風格的浮世繪因此廣為盛行，繪畫內容不僅象徵時人對山明水秀的憧憬，也作為當時旅遊手冊資料之用。
六月中來國美館看浮世繪的精選展，只有機會觀賞了葛飾北齋的《富嶽三十六景》，今天我又來到202展覽室，繼續我的浮世繪之旅，這回我陶醉在歌川廣重的《東海道五十三驛站》之中，流連忘返!
十七世紀江戶時期政局穩定、交通便利，因已具有一定的經濟實力，旅遊風氣興盛並蓬勃發展，風景畫風格的浮世繪因此廣為盛行，繪畫內容不僅象徵時人對山明水秀的憧憬，也作為當時旅遊手冊資料之用。歌川廣重（原名安藤廣重）（1797-1858）雖然比葛飾北齋（1760-1849）年輕三十餘歲，但在當時可說是與葛飾北齋並駕齊驅的浮世繪大師，歌川廣重的《東海道五十三驛站》於1832-1833年左右發表，主要的出版商為保永堂；葛飾北齋的《富嶽三十六景》則於前一年1831年發行，出版商為西村屋與八，此次精選展可同時觀賞到《東海道五十三驛站》及《富嶽三十六景》這兩大經典系列，真是一大樂事！
歌川廣重早期很受北齋的影響，也曾拜師不同畫派（狩野派、南畫）習藝，逐漸融會成自己獨特的畫風，《東海道五十三驛站》是歌川廣重的中年所作，描繪日本江戶時代由江戶（今東京）至京都所經過的53個驛站的景色，他以抒情的畫風描繪當時公路休息站的景象，包含日出、夜雪、春雨、冬晴，以及市民生活、廟會等各種情景，雖然有些景色是發揮了自己的想像力創作出來的，並非完全寫實。
來回觀賞這兩位風景浮世繪大師之作，我個人覺得葛飾北齋以簡潔的構圖，在現實的風景裡添加許多寫意與想像空間，歌川廣重則以繪畫構圖工法，將觀者的視覺從邊緣引導到畫作的重心，雖以寫實為主，畫中也帶點寫意的韻味。我對其中兩幅畫作特別有感觸，可以觀察到兩位大師截然不同的表現手法。這兩幅均是他們以突如其來的雷陣雨為題所描繪出的「白雨」。葛飾北齋的《山下白雨》以全然寫意的方式表達山頂雖然晴好，山腳已是閃電烏黑的情景，留給觀者許多想像空間，而細看歌川廣重所描繪的《白雨》，斜坡上的旅人不僅有努力爬坡的轎夫，也有連滾帶走衝下山的農夫，左邊的斜坡與驟雨滴呈九十度垂直相交，加上近處的竹林剪影、遠方空中的雲雨渲染，則是一幅包含許多現實細節的細膩景色。
我也非常喜歡另一張名為《熱田神事》的畫作，所謂神事，類似我們現下的廟會活動，畫中的前景與後景立即將觀者帶入廟會的情境裡，而在其中參與廟會的人們個個表情生動、張力十足，加上鮮豔的色彩、視線的延伸，是幅讓人覺得趣味橫生的作品。
老實說，以往我對浮世繪的認識，僅限於葛飾北齋的那幅巨浪圖《神奈川沖浪裏》，仔細逛了這個展覽，才了解原來浮世繪的作品類型如此多樣豐富，除了風景畫，還包含美人畫、演員畫、武士畫及戲畫等，當然，我仍然對其中的風景畫感受最為深刻。值得一提的是，當我在精選展中看到溪齋英泉（Eisen Keisai）的《東都兩國橋夕涼之景色》（1830-44）時，忍不住莞爾一笑，此為三聯幅（三張38.8cm x 25.9cm的畫作相連而成），畫中的兩國橋是當時江戶最熱鬧的商業區，縱橫的遊船、燦爛的煙火，無數的客人，以及岸邊滿是看煙火的行人......，沒想到兩百年過去了，不論現今我們身處世界何處，每當各式慶典或跨年活動時，總吸引無數熱鬧的人潮聚集在一起，共同欣賞夜空裡璀璨的煙火秀......。想到這一幕，在驚奇浮世繪竟能如此貼近生活之餘，我與浮世繪的距離，似乎又更近了些！
懷念彩色暗房快樂時光 I．新奇篇
在我見識到一系列以傳統暗房放相出來的彩色影像的魅力，當下就註定了我踏上菲林世界這條不歸路，而且是彩色負片！
我的風景及街拍攝影老師Jim Balderston，也是位擅長傳統彩色暗房的專業放相師，2013年初春，當他在風景攝影課堂中談起如何著手計劃拍攝系列影像時，端出照片收藏盒，裡頭放著約莫二十張11 x 14吋的彩色照片，他一面將影像一字排開，一面講述此系列作品的創作過程，這些照片大部份是他在1970年代遊歷墨西哥所拍攝的彩色負片，現下重新整理...
在我見識到一系列以傳統暗房放相出來彩色影像的魅力，當下就註定了我踏上菲林世界這條不歸路，而且是彩色負片！
我的風景及街拍攝影老師Jim Balderston，也是位擅長傳統彩色暗房的專業放相師，2013年初春，當他在風景攝影課堂中談起如何著手計劃拍攝系列影像時，端出照片收藏盒，裡頭放著約莫十五張11 x 14吋的彩色照片，他一面將影像一字排開，一面講述此系列作品的創作過程，這些照片大部份是他在1970年代遊歷墨西哥所拍攝的彩色負片，現下重新整理、放相出來的。影像中細膩的色彩表現、各元素彼此間的呼應，少了時下流行的亮麗清晰，卻滿載著回憶與人情味，因為太震撼了，只記得我來回反覆觀賞老師的作品，那節課的下半堂就這麼飄忽而過！
我跟我的攝影好友立馬決定報名老師的彩色暗房課程，一探究竟。
初上暗房課程時還發生了一個小插曲，多年未曾使用的底片機Contax 罷工了，幸好朋友慷慨出借相機讓我順利交了頭兩次的作業，加上神通廣大的老爺幫我自日本覓得Fujifilm全新的120底片機GF670W，漂洋過海來溫哥華，終於在開課後四、五週，我拿到了底片機，正式開始了我的菲林攝影之旅。剛開始拍攝底片真的滿受挫的，不僅無法即時看到拍攝成果，底片沖好後還得製作印樣(contact sheet, 相紙印出與底片同大小的影像)檢視哪張底片值得放相，因為缺乏經驗，完全看不出所以然來，更別提放相時需要準確掌握曝光及校正色偏，加上課程最後一週(第十二週)要繳一組(六張)系列照片，壓力真的還蠻大的！
儘管如此，暗房時光是快樂的，選定好放相的底片後，必須一步步確定曝光值、調整色調，必要時局部加減曝光量，以將心中的影像呈現出來。同學間互相幫忙、向老師請益時的收穫，再加上旁聽老師指點其他同學也都能默默學習，看見自己一點一滴慢慢往前進，那種充實感不是言語所能形容的，真的只希望時間能走慢點兒，讓我在學校暗房關門前多放些影像啊！沒有了數位這即時、便利的衣裳，我得披著耐心、信心，與決心的風衣，才能循序漸進的印出影像。
歷經多次的調整，終於將彩色負片放大成一張稍微滿意的照片，那種歡喜踏實感，正是讓我再出發去攝影的最佳動力!
我，遇見我自己
自我重拾攝影的興趣，持續蠻長一段時間，從風景、旅遊，到街拍、抽象等多元主題，始終沒有厭倦後，朋友忍不住關心我：「以前也曾見妳學過不少″才藝″，如插花、茶道等，妳是怎麼認定攝影就是妳的興趣呢？」問得真好，我當下一時間也答不上來，親愛的朋友， 現在我想告訴妳：「因為，在攝影中，我遇見我自己。」
離開辦公室生涯後約莫四年，我開始嘗試街頭攝影，選修學校課程，並得在學期內完成一個系列作品，繳交五到八幅照片，題目自訂。
自我重拾攝影的興趣，持續蠻長一段時間，從風景、旅遊，到街拍、抽象等多元主題，始終沒有厭倦後，朋友忍不住關心我：「以前也曾見妳學過不少″才藝″，如插花、茶道等，妳是怎麼認定攝影就是妳的興趣呢？」問得真好，我當下一時間也答不上來，親愛的朋友， 現在我想告訴妳：「因為，在攝影中，我遇見我自己。」
離開辦公室生涯後約莫四年，我開始嘗試街頭攝影，選修學校課程，並得在學期內完成一個系列作品，繳交五到八幅照片，題目自訂。一開始真的像無頭蒼蠅般，不知從何著手，只能隨身帶著相機到處亂逛，見機行動。漫步在溫哥華的街頭，總不自覺地走向辦公商業區，尋找靈感，徘徊多次後，開始慢慢整理拍攝的影像， 這時我才發現，原來，每一次小旅行，我都遇見了我自己。
即便身處不同的都市，我觀察到的「城市印象」卻出奇的雷同。工作時間與內容雖然不盡相同，但在都會裡討生活的人們，處境其實相仿的，我觀看城市居民成群時如何互動，隻身時如何自處，不免觀想著大家是否有著共同的心聲：在侷促的辦公空間裡，面對熟悉又疏遠的同事，成日為五斗米奔波勞碌，漸趨沉重的心靈，讓臉龐終將失去光彩；日復一日，如此單調重複的生活，應是一心嚮往著，如何才能偷得浮生半日閒吧！
此刻的我，經由攝影，不僅跨越了時空，重溫過去汲汲營營的生活，也趁著這個機會，跟過往的自己談談心，那一段過度忙碌的日子，外表雖然光鮮，心靈卻很苦悶，所幸過往的經歷與磨練，今日的我已有所思悟，不僅真切的想通，與過去生活裡的人、事、物和解，也將昨日的我輕輕放下了。這股平實面對自己的力量，亦帶給我無比的信心繼續向前行，我同時也給自己打氣：「加油，持續以攝影訴說屬於自己的人生故事！」。
親愛的朋友，我想說：「在攝影中，我遇見我自己；而在檢視拍攝成果的此刻，我也與我的過往道別了！」。如果有一天，你也找到某項“才藝”，幫助你面對自己、時時沉思，亦樂此不倦，除了獻上我深深的祝福，也竭誠歡迎你與我分享你的心路歷程。
「城市印象」，攝於2013年7月
“City Life Impressions”, July 2013
I started shooting on the street with no particular agenda in mind.
I guess I just clicked the button whenever I felt it's the right framing at the right moment.
When I reviewed my own images after a few trips,
I realised I was simply reflecting my own perception of the city life...
我在國美館「日本浮世繪」精選展
趁著陰雨連連的端午連假，到國美館走馬看花，重頭戲自然是遠道而來的「日本浮世繪－東京富士美術館典藏精選展」。走入展場，第一件驚奇，趨近觀賞才發現這些原作比想像中小得多，但也更顯現其刻繪之細膩，第二件驚奇，展出的作品共計一百件，遠超過我單次看展所能理解消化的範圍，當下決定先從最富盛名的葛飾北齋《富嶽三十六景》系列看起，其他的作品只能待下回再慢慢欣賞了！
此次共展出十七幅《富嶽三十六景》的作品...
趁著陰雨連連的端午連假，到國美館走馬看花，重頭戲自然是遠道而來的「日本浮世繪－東京富士美術館典藏精選展」。走入展場，第一件驚奇，趨近觀賞才發現這些原作比想像中小得多，但也更顯現其刻繪之細膩，第二件驚奇，展出的作品共計一百件，遠超過我單次看展所能理解消化的範圍，當下決定先從最富盛名的葛飾北齋《富嶽三十六景》系列看起，其他的作品只能待下回再慢慢欣賞了！
此次共展出十七幅《富嶽三十六景》的作品，我個人覺得這系列作品最特別的地方，是它結合了具有文化象徵的富士山風景，及其當代生活的人世百態，是否可以這麼說，葛飾北齋在刻畫市井小民勞動生活的同時，也將他熱愛的自然景物融入其中，為寫實的庶民生活增添些許寫意的空間，成就了這些畫作的獨特性？
據了解，葛飾北齋一生不僅不間斷學習、力求精進外，亦是位非常謙遜的藝術家。在《富嶽百景·初編》裡，他說道：「說實在的，我七十歲之前所畫過的東西都不怎麼樣，也不值得一提。我想，我還得繼續努力，才能在一百歲的時候畫出一些比較了不起的東西。」遺憾的是，葛飾大師在九十歲時過世，臨死前他甚至感歎地說：「我多麼希望自己還能再活多五年，這樣子我才有時間嘗試成為一個真正的畫家（天我をして五年の命を保たしめば 真正の画工となるを得（う）べし）。」
葛飾北齋最有名的作品無疑是《神奈川沖浪裏》這幅了，展場裡除了展出原作，還有一個角落以這幅畫作為例，詳盡介紹浮世繪版畫的製作過程，並另有影片，介紹浮世繪的藝術發展，非常推薦。
此次展出的系列作品，我最欣賞的莫過於《山下白雨》了。此幅跳脫工筆的描繪，僅以寫意為主，表達出山頂雖然晴好，山腳已是閃電烏黑的情景，可想而知，山下應已遍地雷雨滂沱了吧！
今天浮世繪一覽，雖然短暫，卻收穫滿滿，除了粗淺領會浮世繪獨特的藝術表達方式外，更欣賞葛飾北齋寫實與寫意並用所展現出來的美感，也間接鼓勵喜歡在自家附近拍攝的我，要更努力探索街頭巷尾不同的面貌，找尋屬於自己的風景。
小相機也能拍出好照片
近年來科技發達，手機相機功能及解析度大躍進，手機攝影不僅蔚為風潮，許多攝影師更以手機拍攝出令人驚艷的作品，少以手機拍照的我，兩年前倒是買了Fujifilm類單眼相機，從此愛上了輕巧、無負擔的街頭隨拍，只可惜即然使用類單眼，我仍習慣以單眼的拍攝習慣思考（真是自找麻煩呀），碰到朋友問起如何簡單拍出好照片，一時間還真的答不上來。
記得七年前初拿起數位相機，完全搞不清楚東、南、西、北，也是一個頭、兩個大，我就以自身的經驗，淺談新相機入手後，如何拍出滿意的照片！
拍攝前的準備工作...
近年來科技發達，手機相機功能及解析度大躍進，手機攝影不僅蔚為風潮，許多攝影師更以手機拍攝出令人驚艷的作品，少以手機拍照的我，兩年前倒是買了Fujifilm類單眼相機，從此愛上了輕巧、無負擔的街頭隨拍，只可惜即然使用類單眼，我仍習慣以單眼的拍攝習慣思考（真是自找麻煩呀），碰到朋友問起如何簡單拍出好照片，一時間還真的答不上來。
記得七年前初拿起數位相機，完全搞不清楚東、南、西、北，也是一個頭、兩個大，我就以自身的經驗，淺談新相機入手後，如何拍出滿意的照片！
拍攝前的準備工作
是的， 雖然快門一按就可以拍照，但在按下快門前可有很多準備工作呢！
- 閱讀說明書，並熟悉如何調整各項功能
工欲善其事，必先利其器，攝影亦然。不同品牌的相機會以自家的邏輯安排其功能，因此，建議一邊翻閱說明書，一邊實際操作各項功能，跟相機培養一下感情，熟知：
- 相機的最短對焦距離
- 如何選擇不同的照片解析度
- 如何選擇及確認自動、手動對焦
- 如何開、關防手震的功能
- 如何開、關閃光燈
- 如何得知按下快門前每張照片的感光度(ISO)、快門速度、光圈值
- 如何選擇拍攝模式（全自動、光圈先決、快門先決，或是手動模式）
- 在非全自動的拍攝模式下，如何曝光補償（照片過暗時需加光，反之需減光）
- 練習正確按下快門
一張好照片構成的因素很多，諸如氛圍、構圖等，但模糊的照片（攝影師蓄意模糊拍攝，以表達某種理念者除外）絕不構成一張好照片，而這裡所謂正確按下快門，指的就是拍出一張「準焦」、「清晰」的照片。
- 準焦：將拍攝主體放在畫面中間, 半壓快門, 綠框（或綠燈）亮起，表示對焦完成；如果不想將主角放在畫面正中間，持續半壓快門不放, 別移動腳步，慢慢移動相機, 重新構圖。
- 清晰：接著，在不晃動到相機的前提下，按下快門。如果不是使用全自動拍攝模式，建議快門速度應快於1/200，以確保其清晰度，當然，如果手持功力夠穩，1/50秒快門內的照片也可以很清楚。
別忘記，焦距要確定對在拍攝主題上（而非畫面中的任一地方），同時，即使乍看似乎很清楚的照片，也建議放大檢視拍照成果，畢竟，原地重拍一張遠比事後興嘆來得好。
拍攝時的注意事項
- 確實操作相機
- 確認相機的設定是否是對的（譬如自動對焦功能開啟、拍攝模式正確等）
- 與拍攝主體的距離遠於最短對焦距離
- 拿穩相機，確實對焦，平緩按下快門
- 注意光線來源
- 順光時（也就是太陽在後方時）最有機會照出四平八穩的照片
- 晴朗而多雲的天氣有柔光效果，適合展現拍攝主題的細節
- 逆光拍攝的難度最高，需要加、減光（多數需加光），或是用閃光燈補光，以達到正確的曝光，若拍攝得宜，最能展現氛圍
- 留心拍攝角度
- 廣角鏡頭容易在畫面的兩端產生透視變形，拍攝時要保持一定距離
- 除非蓄意傾斜水平線拍攝，否則應注意水平線需保持水平
- 平視（意即相機與主體保持高低平行）拍攝、仰角拍攝或俯拍，都會產生不同的效果，拍攝時應留意，也可同一場景以不同角度拍攝，再選擇滿意的成果
- 留意構圖
攝影美學是門值得終生學習的學問，我在此僅提供一些基本想法：
- 攝影是減法的藝術，如同繪畫是加法的藝術
- 維持畫面簡潔，排除非必要元素
- 注意前景、中景、背景的安排
如果對構圖有興趣，不仿參考攝影雜誌COOPH，以當代紀實攝影師Steve Mccurry的照片為例，介紹以下九種構圖方式。
COOPH explains 9 photo composition tips with the help of Steve McCurry's incredible photographs.
結語
提醒自己，三不五時拿起相機，多拍多練習，藉此熟悉相機操作方式，並增進對相機功能的了解，是非常重要的基本功，我誠摯地相信，基本功到位了，即使僅使用相機全自動功能拍攝照片，亦能拍出一幅幅四平八穩、值得留念的照片，紀錄我們的生活點滴。
Happy shooting!
滿月的潮聲
沒想到那迴旋牽縈在心裡的景象，竟被我拼貼出來了。
開始靜心欣賞她的美雖是近幾年的事，許是其變幻莫測的容貌，或者是驚天動地的能量，我發覺自己深深為「大海」所吸引。
暮春之月，我們沿著太平洋西北（Pacific Northwest）海岸，蜿蜒而下，在夙負盛名的Bandon稍事歇息。Bandon沿海以奇岩異石聞名，大部分的旅客選擇在公路旁的觀景台欣賞其風光，想當然耳，我則直驅海灘，近距離感受她。海面在有點兒高的位置與陸地相遇，驚濤拍岸；我在巨石錯落的淺灘上信步而行，看海聽浪...
沒想到那迴旋牽縈在心裡的景象，竟被我拼貼出來了。
開始靜心欣賞她的美雖是近幾年的事，許是其變幻莫測的容貌，或者是驚天動地的能量，我發覺自己深深為「大海」所吸引。
暮春之月，我們沿著太平洋西北（Pacific Northwest）海岸，蜿蜒而下，在夙負盛名的Bandon稍事歇息。Bandon沿海以奇岩異石聞名，大部分的旅客選擇在公路旁的觀景台欣賞其風光，想當然耳，我則直驅海灘，近距離感受她。海面在有點兒高的位置與陸地相遇，驚濤拍岸；我在巨石錯落的淺灘上信步而行，看海聽浪。凝聽狂濤洶湧，觀賞駭浪掀天，在這翻滾轟隆之中，彷彿整個人被大海重重包圍著，即使海水打到腳邊，滔滔白浪早已化為縷縷細浪，我仍有種一不小心可能會被浪頭捲走的念頭，不禁心生敬畏而退後幾步。
這與上回盛夏之時的經驗大不相同。那天，也在Pacific Northwest沿岸，我獨自站在紅寶石（Ruby Beach）海灣深處，或許是地形的緣故吧，海浪漸次登岸，不疾不徐的滑過礁石，湧上海灘，勾勒出優美和諧的曲線。海風順勢吹來，輕濺而起的水花兒盡化為密縷霧氣，在空中飄舞，替薄暮繽紛的水光增添些許顏彩。晚風輕拂臉頰，有點兒迷濛，更顯詩意盎然，我就被這清新又帶點神祕的海的氣味環繞著，不能自已，留連不捨。
大海，原來可以那麼的寬廣平和，又能如此的奔騰澎湃！
就是這股難以言喻的魅力，讓我時時想望其風采，殷殷盼望回到她身邊，探幽索隱。只可惜，每次我不是還沒來得及飽看烈日下波光粼粼的閃爍、聽絕晦冥中風起雲湧的聲勢，或是感悟浪花滑過指尖的話語，就得向大海道別，趕往下一個目的地。
驀忽間，好遙遠的童年往事浮上了心頭，那是我最喜歡的卡通節目「小天使」。有一天，小蓮在阿爾卑斯山上遇見雲霧，好開心、好興奮，下山前，她努力將這霧氣裝入袋中，想帶回家給爺爺看。她一路飛奔回去，希望給爺爺個驚喜，當她終於抵家，跑到爺爺跟前拉開背袋時，年幼的我深怕錯過究竟，連眼都不敢眨一下，可想而知，當謎底揭曉，袋內竟然空無一物時，我的失望之情尤甚小蓮呢。
而今，我又像孩童般，想把每一次機遇打包，放進心靈最珍貴的行囊裡，隨身帶著，日夜相伴。這一回，當我翻開行囊，那行雲流水，將一古腦兒自內心深處溢流而出，引領我聽風聽水，聽那溫潤壯麗的大海的聲音。
徜徉在這想像的國度裡，我追尋日復一日、從未止息的風浪潮水的旋律；我探索那來去自如、陶然自得的蒼海浮天的開闊。任憑時光流轉，我謙然自牧，學習思如湧潮，行如恬浪，心寬如洋，性寂如水。我，安然等待再次與大海相逢。
偶遇昏天暗地，烏雲夾著晦暗與風雨而來，我總是潛心守候，期待黑暗過後，撥雲見日。這時，我不禁好奇起來，月夜裡的海，其聲、其狀會是如何呢？
如果說天際間綻放的那道亮光，是風雨晦冥時的一線生機，那麼夜半的那輪明月，應當就是黑暗中僅存的希望吧。我悠悠遐思，漆黑夜空裏，月明如水，緩緩而起，不僅點亮了黑暗世界，宛轉間，海浪亦若隱若現而來。那月光，將海面映得藍晶晶的，一波未平，一波又起。然月夜裡的大海，是壯闊波瀾，還是細碎浪花呢？潮水，是漲，還是落？
我還在思索如何描繪月夜的海浪，卻已然聽到風清月白裏的潮聲。
黑夜降臨後，大海早已將蘊蓄一天的能量，化為溫婉內斂「嘶」、「嘶」的潺湲之聲，以堅定的腳步，點滴前進，彷彿不達彼岸，絕不歇息。這潮聲雖然輕柔、卻很堅定，井然有序、終始如一，既不惱人、更覺幽美。的確，月滿之時，儘管潮聲滿盈，夜空中卻彌漫著一股不可思議的閑靜，伴著風月，伴著我。
在聲聲潮水中，我心靈深處的風景似乎也漸漸成形。
最近在廚房裡打轉，早已留意到家裡菜刀刀面上優美的紋路，像極了月夜裡的海波。我忍不住問自己：「我真能將思索已久的風景『滿月的潮聲』用照片拼貼的方式表達出來嗎？」雖然沒信心，我還是決定試看看。對我而言，用鏡頭捕捉大馬士革鋼有點兒類似木紋的紋路是最單純的步驟，回想起來，應該只花了我十幾分鐘的時間；以拼貼方式呈現也不是問題，因為她終究只是個溝通的媒介。困難之處其實是在於如何釋放心靈，誠實面對自己，看見內心的渴望，最後，再運用一點點兒的想像力，成就心中那無法抹滅的影像。
「啊！」當我完成這迴旋牽縈的景象的那瞬間，終於忍不住因滿心歡喜而驚嘆起來。
