影像的最後一哩路：從未竟的浴室暗房，到金屬印像的必然
在加拿大 Langara College 攝影課的期末評圖時，只要是 Fine Art（藝術攝影）相關的課程，我們從來不看螢幕。
所有的期末作品都必須實實在在地印出來，平鋪在教室的長桌上。圍繞著長桌的，是一群帶著不同人生歷練、為了終身學習而重返校園的「老學生」。在那些不斷挪動、排列組合與互相激盪的過程中，影像才開始產生對話。我深刻體會到：無形的檔案必須化為擁有重量與質地的「實體」，創作的最後一哩路才算真正展開。
Langara College / Portfolio Review：將無形的數位檔案化為實體相紙，是確認影像質地與忠實呈現不可或缺的過程。
類比時代的浪漫與浴室暗房夢
那幾年，我深深著迷於數位時代前的類比（Analog）攝影。我不僅買了一台 6x7 的中片幅相機，拍著黑白與彩色負片，更幸運地能在學校的暗房裡，親身學習傳統暗房的沖印。
看著影像在藥水中緩緩浮現的過程太過迷人，我甚至有過一個瘋狂的念頭：我要把家裡的浴室，或是某個不透光的小角落，改造成專屬於自己的暗房，自己沖洗底片、自己放大照片。因為在我眼裡，這「親手輸出的過程」本身，就是創作不可或缺的一部分。
數位暗房與「忠實呈現」的執著
然而，現實的條件讓這個「浴室暗房夢」只能停留在想像。加上當時的課程十分多樣化，我也同時使用數位方式拍攝。雖然無法擁有傳統暗房，但我依然執著於「親手輸出影像」的過程。於是，我忍不住入手了一台 Epson Stylus Pro 3880 專業藝術微噴印表機。
是那份對質地的堅持，讓我一頭栽進了紙張與墨水（Fine Art Giclée）的數位暗房裡。
我並不奢望自己印得多好，但我期望影像能忠於自己、真實呈現。這樣的安排，讓我在按下快門的那一刻，腦海中就能想好作品最終印出來的樣貌。為了讓作品契合心中的預期，我會進行多次的紙張試印，也有可能親手做 Color Profiling（色彩管理），確認每一張測試紙材，確保每一吋暗部都能完整過渡，並期待在電腦裡看到的作品圖檔，跟最後實際印製出來的實體作品，差異在容許的範圍裡。
為了讓影像如實還原按下快門時的預視，建立精確的 Color Profile（色彩描述檔）是重要的一步。
接著便是反覆檢視每一張測試紙材，確保實體輸出的每一吋暗部與細節，都能忠實呈現。
紙張的溫度與適才適所
在我的心目中，每一種媒材都有它無可取代的專屬用途。純棉紙張的紋理與溫潤是極度迷人的。在我的《Random Places》（後更名為《In Between》）攝影個展中，那些用來標示溫哥華拍攝地點、以紅線串連的「地圖裝置藝術」，正是運用相紙，以藝術微噴輸出所呈現的效果。
在藝廊的純白空間裡，紙張的溫潤質地賦予了裝置藝術（Installation）絕佳的立體感與生命力。
透過實體相紙的細膩紋理與紅線的交錯，溫哥華的記憶地圖得以完美串聯、鮮活呈現。
而我記憶中最後一次傾盡全力使用這台 Epson 印表機，是為了準備 2019 年「Photo ONE 專家面對面 (Portfolio Review)」的作品集。在那個場合，紙本的藝術微噴是完美的——它極其適合被專家拿在手上、沒有玻璃反光地仔細翻閱與評比。
紙張有它的無可取代性。但在面對「展覽掛牆」這件事時，我卻遇到了極大的內心掙扎。
個展前的掙扎：隔靴搔癢的距離感
在籌備我的《Random Places》（後更名為《In Between》）攝影個展時，我其實非常認真地考慮過：是不是就用純棉紙張，藝術微噴輸出就好？
老實說，辦一場個展雖然是創作者美好的自我實現，但在現實面，它真的非常「燒錢」。既然純棉紙張是我最熟悉、也最能親手掌控的媒材，如果能說服自己接受紙張裝裱後的效果，我其實大可省下額外的心力與龐大的花費，不需要再去尋找其他的視覺呈現方式。
為了確認最終的效果，我甚至親自將試印出來的作品，加上了傳統的留白卡紙，並裝進了外框裡檢視。
傳統的留白與外框有其經典之處，但在加上透明壓克力後，卻無可避免地產生了觀看上的距離感。
傳統的裝裱方式確實有其經典之處。然而，當這些擁有完美階調的純棉相紙，被小心翼翼地裝進鋁框，蓋上那層為了長久保存而必須加上的透明壓克力板時，我卻猶豫了。
展場的聚光燈一打，那些我費盡心思調校出來的暗部層次，無可避免地被透明表面的反光干擾了細節。觀者可能得不斷調整角度，甚至會在作品上看見自己的倒影。那層名為「保護」的壓克力，成了觀者與影像之間難以跨越的距離。那種感覺就像是「隔靴搔癢」，明明就站在作品面前，卻覺得實在看不清、也摸不到作品真正的質地。
流光的解放：遇見金屬印像的必然
就在我為了解決這個展場痛點而苦惱時，無意中發現了「金屬印像 (Metal Print)」這個當時在台灣無人知曉的新式媒材。
老實說，金屬印像的表面同樣會有反光。但當我第一次親眼見到它時，我立刻明白了這兩者之間天壤之別的差異。
壓克力的反光，是將視線阻絕在作品之外；但金屬印像的反光，是發生在「作品本身」。光線直接穿透金屬板上作品的表面，就直接反射出來了，這讓我感到畫面彷彿自帶發光體一樣。這層反光不但沒有抹殺暗部，反而與影像融為一體，為作品增添了多一個層次的豐富性與立體感。更棒的是，它帶來了真正的「無框自由」——這是一件沒有透明板阻擋，觀者可以零距離凝視，甚至可以直接用手去觸摸感受的藝術品。
這種純粹的視覺與觸覺震撼，讓我心裡只有一個念頭：我一定要嘗試。
金屬印像帶來的「無框自由」，讓光線與影像融為一體，產生獨特的發光體（Luminescence）視覺效果，打破了觀看距離。
飄洋過海的震撼，與被運費綁架的碎唸
既然決定了，我就絕不妥協。2017 年我的攝影個展上，我硬著頭皮支付了「貴森森」的國際空運費，將全場作品跨海交由美國製作成 HD Metal Print。
當那些沒有壓克力阻隔、自帶流光的作品掛上展場牆面時，我知道一切高昂的花費都值得了。但展覽圓滿落幕後，我卻忍不住碎唸：「如果台灣能就近印製，不用每次都被國際運費綁架，該有多好？」
大不了印自己的作品！
這句碎唸，全被那最會「勸敗」的家中老爺聽了進去，他開始大力鼓吹我自己引進金屬印像。但要引進龐大設備與昂貴媒材，對一個毫無工業製造背景、自認是『3C 白痴』的我來說，無疑是個極大的挑戰。
沒有工業背景，卻憑著一股對媒材的狂熱，硬是出動了吊車，把龐大的熱壓設備與熱昇華輸出機搬進了工作室。
就在我好幾次覺得太難、喊著要放棄時，老爺不僅幫我解決了技術痛點，還丟出了一句至今想來都覺得好笑、卻無比關鍵的推坑金句： 「妳就勇敢地引進 ChromaLuxe 金屬印像吧！到時如果賣不出去，至少還有妳自己的作品可以印啊！」
這句話，瞬間點燃了我靈魂深處那個「什麼都要自己洗、自己印」的暗房夢！是啊，這一切從來不是出於商業考量，僅僅是一個創作者尋找理想媒材的單純渴望。既然這片土地上還沒有人能為我的影像褪去那層玻璃，那麼，我就自己來拼一把吧！
從冷氣房 OL 到手作女工的踏實感
回首這段從未竟的浴室暗房，一路走到金屬印像的探索之路，有時連我自己都覺得不可思議。
我從一個每天坐在冷氣房裡、處理虛無縹緲的金融商品的 OL，意外蛻變成了一位穿著工作服、堅持 100% 手工製作金屬照片的「印製女工」。
褪去了冷氣房裡光鮮亮麗的裝扮，換來的是親手將重量級的實體作品交到客戶手中時，那份無可取代的踏實與驕傲。
每當我親手將印製完成、還帶著微溫的金屬作品拿在手上慢慢欣賞時，那種踏實的感覺，就像是農夫看著結實纍纍的稻穗，總會不由自主地露出微笑。因為我終於把無形的數位檔案，化為了擁有重量與美好質地的實體。
每一種媒材在藝術家創作者的心中，都有合適擺放的位置。在需要翻閱或裝置藝術的場合，紙張十分美好；但當一件作品要成為「掛在牆上的長久收藏」時，我希望它能打破玻璃的隔閡，讓光影得以自由流動。
這是我對影像質地毫不妥協的答案。如果作品最終是要掛上牆的，那麼，我的選擇只會是金屬印像。
Claire Chao 趙湘瑋
曾旅居溫哥華多年，現定居台灣的藝術攝影師。結業於 Langara College 攝影學程，曾任勤美文創聚落駐村藝術家。從傳統彩色暗房的化學洗禮，到數位觀景窗裡的風景解構，她始終在探索「觀看」的多重維度與影像質地的可能性。
因為深刻理解當代藝術對影像「光澤」與「典藏級保存」的極致追求，她在 2017 年的個展後，將這份對媒材的執著延伸至實體工藝，於台灣創立了 Metal Print Studio 瑋思影像。她致力於以博物館級的金屬印像技術，為每一次的快門定格，尋找抵抗時間淘洗的最美歸宿。